Ранні роботи Марка Ротко, що охоплюють період з 1920-х до 1940-х років, пропонують захопливе уявлення про еволюцію художника, який згодом став синонімом абстрактного експресіонізму.
Щоб зрозуміти значення його раннього мистецтва, нам потрібно врахувати контекст, теми та стилістичні зрушення, що характеризували цей період, а також те, як вони заклали основу для його пізніших, більш знакових великомасштабних кольорових полів.
У 1920-х та 1930-х роках Ротко, народжений Маркусом Ротковіцем у 1903 році в Двінську, Росія (нині Латвія), був молодим іммігрантом у Сполучених Штатах, борючись зі своєю ідентичністю, культурними потрясіннями того часу та мистецькими течіями Нью-Йорка. Його ранні твори були сформовані Великою депресією – економічні та соціальні потрясіння 1930-х років вплинули на його зосередження на темах людської боротьби та міського відчуження.
Ротко познайомився з європейськими авангардними рухами завдяки виставкам у Нью-Йорку, зокрема з роботами Макса Вебера, Мілтона Ейвері, а пізніше — сюрреалістів, таких як Андре Бретон та Жоан Міро.
У 1940-х роках Ротко, разом зі сучасниками, такими як Адольф Готліб та Барнетт Ньюмен, зацікавився юнгіанською психологією та міфічним символізмом як способом дослідження універсального людського досвіду, частково у відповідь на жахи Другої світової війни.
Ранню кар’єру Ротко можна умовно поділити на три фази: фігуративні роботи, твори під впливом сюрреалізму та початки абстракції.
У 1920-1930-х роках найперші картини Ротко – фігуративні роботи – створені під час навчання у Макса Вебера в Лізі студентів-художників у Нью-Йорку, були репрезентативними, часто зображували міські сцени, портрети та інтер’єри. Ці роботи настроєві, інтроспективні та сильно перебувають під впливом експресіонізму.
Його картини, такі як «Підземка» (1930-ті роки) або «Інтер’єр» (1936), зображують ізольовані фігури в міських умовах, відображаючи анонімність та відірваність сучасного життя. Серія «Підземка», наприклад, зображує самотні фігури, затьмарені архітектурним середовищем, викликаючи відчуття екзистенційної самотності.
Навіть у цих ранніх роботах Ротко демонстрував схильність до спрощення форм та зосередження на емоційному резонансі, а не на реалістичних деталях, що стало попередником його пізнішої абстракції. Його мазок був вільним, а кольорова палітра — приглушеною, з домінуванням землистих тонів.
Ротко захоплювався використанням Ейвері плоских кольорових площин та спрощених форм, що спонукало його надавати пріоритет емоційній глибині над наративом.
Значення тут часто обертається навколо людського становища – зокрема, ізоляції та тихого відчаю окремих людей у світі, що швидко модернізується. Єврейське іммігрантське походження Ротко, ймовірно, вплинуло на його чутливість до тем витіснення та маргіналізації.
На початку 1940-х років Ротко почав відходити від образотворчого мистецтва під впливом сюрреалізму та колективної травми Другої світової війни. Цей період знаменує його дослідження міфів, архетипів та підсвідомого, натхненне ідеями Карла Юнга про універсальні символи та колективне несвідоме. Серед його визначних робіт – «Знамення орла» (1942) та «Жертвопринесення Іфігенії» (1942), засновані на грецькій міфології, тотемах корінних американців та біблійних образах.
Ці картини використовують фрагментарні, біоморфні форми, щоб викликати первісні емоції та універсальні наративи.
Ротко застосував сюрреалістичний автоматизм, дозволяючи спонтанним, абстрактним формам виникати, як це видно в таких картинах, як «Повільний вир на краю моря» (1944). Ця робота з її плинними, органічними формами натякає на космічне або мрійливе дослідження кохання та творення, можливо, натхненне його стосунками з другою дружиною Мелл.
Ротко прагнув вийти за межі особистого та доторкнутися до чогось універсального. У 1943 році він писав (разом з Адольфом Готлібом), що «мистецтво — це пригода в невідомий світ, який можуть дослідити лише ті, хто готовий ризикувати». Його картини цього періоду прагнуть викликати благоговіння, таємничість та піднесене.
Сенс цих робіт полягає в їхній спробі поєднати сучасного глядача з позачасовими, архетипними істинами. Ротко менше цікавився буквальним оповіданням і більше створенням вісцерального, емоційного досвіду, який би промовляв до спільних духовних та психологічних глибин людства.
До кінця 1940-х років Ротко почав відмовлятися від впізнаваних образів, рухаючись до абстрактних кольорових полів, які визначали б його зрілий стиль. Такі роботи, як «Мультиформи» (1948), знаменують цей перехід, демонструючи м’які форми та яскраві кольори, що пливуть на тлі.
Ротко описував свої роботи як такі, що виражають «базові людські емоції – трагедію, екстаз, загибель». Багатоформатні роботи менше стосуються конкретних міфів і більше викликають споглядальний або медитативний стан.
Навіть у цих ранніх абстрактних роботах Ротко експериментував з масштабом, щоб створити захопливе враження, хоча ще не досягнуло монументального розміру його пізніших творів.
Його використання кольору стало більш обдуманим, а відтінки були обрані за їхній емоційний вплив, а не за точність зображення.
Значення тут зміщується в бік чистого емоційного та духовного спілкування. Ротко хотів, щоб глядачі відчували твір, а не аналізували його, створюючи пряму, майже релігійну зустріч із полотном.
Значення раннього мистецтва Ротко полягає в його пошуку універсальних істин та емоційного резонансу посеред світу, що переживає кризу. Його перехід від фігуративного до сюрреалістичного та абстрактного відображає поглиблення бажання вийти за межі матеріального та вийти в духовне.
На відміну від його пізніших робіт, які часто є монументальними та споглядальними, його раннє мистецтво більше орієнтоване на наратив та пов’язане з конкретними соціальними чи міфологічними контекстами. Однак, зачатки його пізніших одержимостей – масштаб, емоції та піднесене – очевидні навіть у ці роки становлення.
Ранні роботи Ротко є значними, оскільки вони показують художника, який бореться з тим, як виразити глибокі людські переживання у світі, позначеному відчуженням, війною та невизначеністю. Його перехід від зображення зовнішнього світу до дослідження внутрішнього, універсального та абстрактного відображає ширший культурний рух до абстракції як засобу боротьби зі складнощами сучасності.
Для глядачів ці ранні роботи спонукають до роздумів про спільні людські труднощі та пошук сенсу, навіть якщо їм бракує приголомшливого масштабу та вишуканості його пізніших шедеврів.
© Times of Ukraine
Mark Rothko’s early work, spanning the 1920s to the 1940s, offers a fascinating window into the evolution of an artist who would later become synonymous with abstract expressionism.
To understand the meaning of his early art, we need to consider the context, themes, and stylistic shifts that characterized this period, as well as how they laid the groundwork for his later, more iconic large-scale color fields.
In the 1920s and 1930s, Rothko, born Markus Rothkowitz in 1903 in Dvinsk, Russia (now Latvia), was a young immigrant in the United States, grappling with his identity, the cultural upheavals of the time, and the artistic currents of New York City. His early work was shaped by the Great Depression – the economic and social turmoil of the 1930s influenced his focus on themes of human struggle and urban alienation.
Rothko was exposed to European avant-garde movements through exhibitions in New York, particularly the work of Max Weber, Milton Avery, and later, the surrealists like André Breton and Joan Miró.
In the 1940s, Rothko, alongside contemporaries like Adolph Gottlieb and Barnett Newman, became interested in Jungian psychology and mythic symbolism as a way to explore universal human experiences, partly in response to the horrors of World War II.
Rothko’s early career can be roughly divided into three phases: figurative works, surrealist-influenced pieces, and the beginnings of abstraction.
In 1920s-1930s, Rothko’s earliest paintings – figurative works – created while he was a student under Max Weber at the Art Students League in New York, were representational, often depicting urban scenes, portraits, and interiors. These works are moody, introspective, and heavily influenced by expressionism.
His paintings like “Subway” (1930s) or “Interior” (1936) portray isolated figures in urban settings, reflecting the anonymity and disconnection of modern life. The subway series, for instance, captures solitary figures dwarfed by architectural environments, evoking a sense of existential loneliness.
Even in these early works, Rothko showed a tendency to simplify shapes and focus on emotional resonance over realistic detail, a precursor to his later abstraction. His brushwork was loose, and his colour palettes were muted, with earthy tones dominating.
Rothko admired Avery’s use of flat planes of colour and simplified forms, which encouraged him to prioritize emotional depth over narrative.
The meaning here often revolves around the human condition – specifically, the isolation and quiet despair of individuals in a rapidly modernizing world. Rothko’s Jewish immigrant background likely informed his sensitivity to themes of displacement and marginalization.
By the early 1940s, Rothko began to move away from representational art, influenced by surrealism and the collective trauma of World War II. This period marks his exploration of myth, archetypes, and the subconscious, inspired by Carl Jung’s ideas about universal symbols and the collective unconscious. His notable works include “The Omen of the Eagle” (1942) or “Sacrifice of Iphigenia” (1942)based on Greek mythology, Native American totems and biblical imagery.
These paintings use fragmented, biomorphic forms to evoke primal emotions and universal narratives.
Rothko adopted surrealist automatism, allowing spontaneous, abstract forms to emerge, as seen in paintings like “Slow Swirl at the Edge of the Sea” (1944). This work, with its fluid, organic shapes, suggests a cosmic or dreamlike exploration of love and creation, possibly inspired by his relationship with his second wife, Mell.
Rothko aimed to transcend the personal and tap into something universal. He wrote in 1943 (with Adolph Gottlieb) that “art is an adventure into an unknown world, which can be explored only by those willing to take risks.” His paintings from this period seek to evoke awe, mystery, and the sublime.
The meaning in these works lies in their attempt to connect modern viewers with timeless, archetypal truths. Rothko was less interested in literal storytelling and more in creating a visceral, emotional experience that spoke to humanity’s shared spiritual and psychological depths.
By the late 1940s, Rothko began to abandon recognisable imagery, moving toward the abstract colour fields that would define his mature style. Works like “Multiforms” (1948) mark this transition, featuring soft-edged shapes and vibrant colors that float against a background.
Rothko described his work as expressing “basic human emotions – tragedy, ecstasy, doom”. The multiforms are less about specific myths and more about evoking a contemplative or meditative state.
Even in these early abstract works, Rothko experimented with scale to create an enveloping experience, though not yet at the monumental size of his later pieces.
His use of colour became more deliberate, with hues chosen for their emotional impact rather than representational accuracy.
The meaning here shifts toward pure emotional and spiritual communication. Rothko wanted viewers to feel the work rather than analyse it, creating a direct, almost religious encounter with the canvas.
The meaning of Rothko’s early art lies in its search for universal truths and emotional resonance amid a world in crisis. His progression from figurative to surrealist to abstract reflects a deepening desire to move beyond the material and into the spiritual.
Unlike his later works, which are often monumental and contemplative, his early art is more narrative-driven and tied to specific social or mythological contexts. Yet, the seeds of his later obsessions – scale, emotion, and the sublime – are evident even in these formative years.
Rothko’s early work is significant because it shows an artist wrestling with how to express profound human experiences in a world marked by alienation, war, and uncertainty. His shift from depicting the external world to exploring the internal, universal, and abstract mirrors a broader cultural move toward abstraction as a means of grappling with modernity’s complexities.
For viewers, these early works invite reflection on shared human struggles and the search for meaning, even if they lack the overwhelming scale and polish of his later masterpieces.
© Times of Ukraine